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国内版なのでライナーノーツが日本語で読める。アーノンクールへの長いインタビュー、（コンセルトヘボウとの共演が始まった）1975年以後の年譜、そして寺西肇氏の演奏評が納められていて格調が高い。彼のCDがSONYから発売されるようになって、日本語で読めるのはありがたい。1970年、1980年代、テレフンケン・テルデックのDAS ALTE WERKのLPは、ライナーノーツも超一流だった。
同じCDの輸入盤のレビュー（2月下旬にアップ）の中で、私は「ワルター・トスカニーニのように演奏会を前提としないレコーディングで残り7曲を補って、是非2度目の全集の完成を！」と期待したのだが、3月5日にアーノンクールが亡くなってしまった。2006年秋の来日公演のとき、指揮する姿は元気でも体力的な衰えは明らかで、この日が来るのは予期していた。それ以後9年間も活躍してくれたことは、1980年の初来日から「この道一筋・古参ファン」としては幸運なことだった。
近年のアーノンクールのウィーン・コンツェントゥス・ムジクス（CMW）とのCDは辛口の演奏が多かった。仮に辛口度を20段階で評価するならば（ベルリンフィルとのシューベルト・エディションを10点において）この4番・5番はやはり20点だろう。モーツアルトの3大交響曲と同じく激辛。「まっとうな」耳を持った音楽ファンにとっては、痛みを伴った辛さだろう。
思い起こしてみると、ハイドン：パリ交響曲集、モーツアルト：初期交響曲集も含めて、CMWとの近年の録音は激辛に振れていた。「ウィーンの巨匠」としての地位を確立し「名声と自由」を得た後、本当に「世に問いたい」音楽表現にシフトしいったということだろう。もちろんCMWのアンサンブルが最高の練度となり、彼のアイデアを「音にする力」ではベルリンフィル、ウィーンフィル、コンセルトヘボウ、ヨーロッパ室内管弦楽団を上回り「やりたいことをやれる」環境が整ったからだろう。
最後のCDであるから、少しだけ「アーノンクールの来た道」を総括してみたい。
アーノンクールは原典研究、古楽器研究、音楽学の知見の取り込み、論理的・雄弁かつ過激な文学的修辞で「なぜそう演奏しなければばらないのか」を説き続けた。彼のことを聴衆は当初、「学問的研究を背景にした演奏実験、好事家」くらいに見なしていたが、その内にこう気づいたのだ。
「アーノンクールが指向する指揮者のあり方は、フルトベングラー、ワルター、クレンペラー、カラヤンとあまり変わらない。原典や楽器、音楽学は彼の解釈・演奏にイマジネーション・インスピレーションを与えるものに過ぎない。彼は本質的にはロマンチストだ」
ヨーロッパの芸術史を振り返ると、芸術が行き詰まり、新しい表現を生み出さねばならないとき「過激なまでの古典回帰の主張」「現状をまず否定的にとらえていく」という手法をとってきたことが見て取れる。ルネサンスの古典復興が良い例。古典派からロマン派への移行もそうだ。
この視点でアーノンクールを見ると、彼の過激なまでの古楽研究は、2度の世界大戦で敗戦国となり行き詰まってしまったウィーン音楽の再生を目的とした「古典回帰のイデオロギー」だったという風に思える。世界大戦前を支配していた音楽と演奏に関わるすべて、岩盤のような現状を破壊・解体・修理し再生するエネルギーを「原典・古楽・古楽器」から引き出したのだ。その言説にアジテーションの臭いは感じられたが、それでも彼を支持する聴衆が増えていったのは、演奏の新鮮さ、目から鱗の落ちる体験、楽譜の解釈として正統（authentic）だと感じさせる説得力、があったからだ。楽曲を解析・解体し、後世の付加物を除去し、整然と再構築する手際の鮮やかさにおいてアーノンクールは「他の誰とも似ていない」
彼の過激さが生み出した最大の成果は、モンテヴェルディ近辺から20世紀のバルトーク、ガーシュインまでの音楽作品に対して、一貫した音楽観によって「過去の誰とも似ていない」演奏を積み重ねてきたことだ。そして、その成果は20世紀のテクノロジーによってステレオ録音され、LP・CD、それに付された格調高いライナーノーツ（あるいはスコア）により全世界に行き渡った。
初来日から、私に尋常で無い音楽体験を一貫して与えてくれたマエストロ：アーノンクールに感謝いたします。
彼の指揮・演奏活動を＜分身＞として支え続けた妻・アリスさんにも同じ感謝を捧げます。
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